Школа PHOTOPLAY продолжает серию открытых встреч и интервью с ведущими профессионалами индустрий.
Встреча в формате Круглый стол Ольгой Матвеевой, Светланой Кавериной и Натальей Драчинской. Разговор коснулся обсуждения развития проектной фотографии, с какими вызовами сталкиваются авторы, и какие форматы, темы и практики сегодня актуальны.
Предлагаем вашему вниманию избранные моменты из этой беседы:
Сегодня фотография практически не существует вне контекста проекта. Чтобы между зрителем и автором возник настоящий диалог, необходимо создать некую вспомогательную структуру – своего рода «архитектуру» произведения, которая станет для зрителя опорой, точкой отсчета для понимания авторской идеи.
(с) Ольга Матвеева
Как вы подбирать медиум для воплощения идеи проекта?
Если человек позиционирует себя как фотограф – будь то в социальных сетях или портфолио – то сейчас это определение становится несколько узким.
В современном мире фотографии речь идет скорее об иных вещах, а вот в области концептуальной фотографии и работе с различными медиумами, находящимися в разнообразных связях с ней, преуспевает визуальный художник. Это более широкое поле деятельности, где визуальный художник имеет возможность выбирать различные средства для наиболее полного и эффективного выражения своей идеи в рамках конкретного проекта. Он выбирает те медиумы, которые ему близки, но при этом его возможности практически безграничны.
Примечательно, что для создания книги художника не обязательно быть фотографом. Можно использовать уже существующие, апробированные снимки. Главное – обладать художественным мышлением и четким пониманием того, что вы хотите донести через этот медиум.
Особенность современного искусства в том, что художник исходит прежде всего из идеи, из концепции, а уже затем подбирает один или несколько наиболее подходящих медиумов, чтобы эту идею развить и материализовать. Поэтому многие современные художники активно используют смешанные техники.
Есть ли в проектной работе тенденция к следованию трендам в выборе медиумов?
Такой подход к вопросу неверен. Если искусство ориентируется исключительно на тренды, это ставит под сомнение его качество.
История искусства развивается по принципу преемственности: каждое новое поколение художников вбирает в себя опыт и идеи предшественников. Иначе процесс развития был бы невозможен. Влияние других работ на нас естественно и даже полезно, поскольку расширяет наш инструментарий для индивидуального творчества, а не препятствует ему.
Есть путь коммерческого искусства, которое следует трендам, следит за визуальными веяниями, модными направлениями, возможно, сотрудничает с брендами. Здесь художники фокусируются на ярких, запоминающихся работах, которые не всегда имеют глубокую концепцию, но дарят зрителю чистое визуальное удовольствие.
Есть и другой путь – создание произведений, целью которых является именно эстетическое наслаждение от обладания или созерцания. Это тоже вполне сознательная стратегия. Например, в Америке немало художников, которые пишут красивые картины или делают приятные глазу фотографии, ведь такая эстетика здесь в большом почете.
Как сохранять интерес к долгосрочным проектам и успешно завершать их?
Продолжительность проекта зависит от конкретной идеи. Некоторые замыслы реализуются относительно быстро, тогда как другие объективно требуют значительного времени. Важно понимать, что не все проекты являются долгосрочными. Качество проекта, особенно если мы говорим о выдающемся, убедительном, актуальном и успешном результате, не определяется исключительно временем, затраченным на его создание. Хотя, безусловно, существуют идеи, над которыми художник может работать десять лет. Это уже уводит нас за пределы романтизированного образа художественной практики и жизни творца, в область того, что происходит "за кулисами".
Существуют практические ограничения, например, при организации выставки. Не все можно реализовать в рамках имеющегося пространства и бюджета. В такой ситуации художник сталкивается с необходимостью составления смет, оформления документов, написания заявок на гранты, ведения бюджета и множеством других бюрократических задач. Реализация важных проектов требует дисциплины и самомотивации, подобно ежедневной зарядке.
Как определить, будет ли личная история (биографическая, семейная, событийная) интересна и понятна широкой аудитории?
Тенденция к личным историям в фотографии, с разбором архивов и поиском ответов, действительно набирает обороты. Но главный вопрос для автора остается: будет ли моя личная тема интересна другим?
Если тема волнует нас, она имеет право на существование, потому что отражает нас. Задача – найти убедительный способ ее представления, "точку входа", чтобы связать личное с универсальным.
Прекрасный пример – книга Майи Мастеренко "After Sun We're Going to the River". Это небольшое, но совершенно удивительное горизонтальное издание Оно доказывает, что даже необычный формат может быть идеальным для представления важной истории.
Как придумать, создавать проект, какие вопросы себе задавать, какую тему выбрать?
Отправной точкой для проекта должно быть глубокое внутреннее побуждение: "Без чего я не могу жить?". Тема должна идти "из живота", пусть и с последующим осмыслением.
Понять этот зов вначале трудно, но со временем становится легче. Первый проект может стать таким триггером, но откроет доступ к множеству тем. Затем появлявится возможность выбирать, о чем говорить в данный момент, и со временем некоторые темы отпадают, если они уже затронуты или если автор перерос их.
Личные истории неизбежно связаны с более широким контекстом, подобно тому, как искусство не может быть полностью лишено политического подтекста, ведь наша жизнь пропитана им. Автор, будучи личностью, выбирает темы, исходя из своих побуждений. После создания проекта и его воплощения в книгу, возникает вопрос: как его продвигать? Где найти зрителя?
Фотокнига, напротив, является гораздо более демократичным и мобильным медиумом. Она открывает широкие возможности для продвижения проекта. Ее можно отправить в любой уголок мира. Фотокниги-победители конкурсов, как, например, в Касселе, часто отправляются в международные туры, что обеспечивает проекту максимальное распространение.
Внутренняя мотивация для публикации
Публикация не всегда равна публичному признанию. Это может быть началом диалога с одним зрителем, который, увидев вашу работу, инициирует интересное обсуждение. Такой диалог, даже без наград или выставок, может стать стимулом для дальнейшего развития проекта.
Если личного признания и финансовой составляющей недостаточно для творческого проявления, возникает вопрос: кто такой художник? Художник – это тот, кто осознает себя таковым. Но он не существует без зрителя. Отсутствие потребности в диалоге с аудиторией и в выражении своих идей может указывать на неготовность к полноценной художественной практике. Это, возможно, жесткое заявление, но заслуживающее обсуждения.
